美学研究的出发点是对艺术和美的本质及其与人类生活的关系进行探究。
美学的特点是概括与集中，创造独特的时间和空间，形成不同的节奏创造风格，表达寓意创造意境，吸引观众的注意力。
1、概括与集中
通过镜头、场面、段落的分切与组接，对素材进行选择和取舍，省略繁琐、多余的部分，突出重点，强调具有特征的、富有表现力的细节，使内容表现得主次分明、繁简得体、隐显适度，达到高度的概括和集中。
2、创造独特的时间和空间
运用蒙太奇技巧可以对现实的时间和空间进行选择、加工和改造，创造新的时间感和空间感。例如，一个化出化入的技巧就可以在空间上从巴黎跳到纽约，或者在时间上跨过几十年。
通过两个不同空间的运动的并列与交叉，可以造成紧张的悬念，或者表现分处两地的人物之间的关系。不同时间的蒙太奇可以描绘人物过去的心理经历与当前的内心活动之间的联系。
3、形成不同的节奏创造风格
镜头与镜头之间的长度、色彩、光线、景别、运动方式等的变化，会形成**的轻重缓急，以一种节奏来创造**的风格。例如，《黄土地》用蒙太奇节奏的缓慢创造了一种热烈奔放的**风格；《红高粱》则用跳跃紧凑的蒙太奇节奏创造了一种热烈奔放的**风格。
4、表达寓意创造意境
镜头的分切和组接，可以利用相互间的作用产生新的含义，即产生单个的画面或声音所不具有的思想内容；可以形象地表达抽象概念，表达特定的寓意，或创造出特定的意境。
例如，影片《战舰波将金号》中，石狮扑卧、抬头、跃起三个镜头放在一起，说明人民从沉睡到觉醒到反抗的思想主题。
1、艺术
艺术可以是宏观概念也可以是个体现象，是通过捕捉与挖掘、感受与分析、整合与运用（形体的组合过程、生物的生命过程、故事的发展过程）等方式对客观或主观对象进行感知、意识、思维、操作、表达等活动的过程，或是通过感受（看、听、嗅、触碰）得到的形式展示出来的阶段性结果。
表达形式：语言、声音、文字、绘画、眼神、呼吸、肢体等。
2、美学
美学（希腊语：αισθητικ?；英语：Aesthetic）是一个哲学分支学科。
美学的概念是德国哲学家鲍姆加登在1750年首次提出来的，
他认为需要在哲学体系中给艺术一个恰当的位置，于是他建立了一门学科研究感性的认识，并称其为“Aesthetic”（感性学）。
美学是研究人与世界审美关系的一门学科，即美学研究的对象是审美活动。审美活动是人的一种以意象世界为对象的人生体验活动，是人类的一种精神文化活动。
扩展资料：
一、美学的范围：
美学的范围与宇宙同在，与人类同在，作为一本美学原理，应该讲哪些内容呢？这不但涉及到美学作为一种学术按自身的逻辑关联的内容，还要涉及到教育体系的学科分类对美学的具体呈现的制约。
在中国，一是放在哲学一级学科下面的二级学科的美学，二是艺术学下面的四个一级学科里：艺术理论、美术与设计学、戏剧与艺术学，音乐与舞蹈学。
三是一级学科中国语言文学下面关于文学的诸学科和一级学科外国语言文学下面的各国文学，四是一级学科建筑学下面与建筑艺术相关的学科和林学下面的园林植物和观赏园艺。
这里最为重要是因艺术学与美学的分离而产生出来的艺术概论（或艺术学概论）与美学的关系。可以说，美的艺术类型与艺术概论所讲的内容甚多重合。因此，还要对学科分工的内容加以考虑。
在综合这两个方面方面之后，一本美学原理，一是要列出所应讲的问题，二是在这些问题讲清之后，要让人对整个美学问题有一个整体性的领悟。
基于此，一本美学原理，最需要讲的问题如下：
1、审美现象学，讲清楚当人面对美，做审美欣赏时，具体情况是怎样的，审美是怎样开始的，怎样进行的，最后的结果是怎样的。
2、审美类型学，讲清楚美分为几个大的基本类与型，如美、悲、喜等大类，类下有小型，如美之下有优、壮美、典雅，这些类型各自的特点是怎样的。
3、审美文化学，讲清楚不同的文化具有不同的审美观念和表现形式，进一步理解为什么会有这样的观念和形式。
4、形式美法则，讲清楚超越文化和时空的美的基本法则，如形、色、对称、均衡等。
5、美的起源。从人类文化学来看，美是怎样产生的，人是怎样认识到美的。
6、美学的学科历史，讲清楚美学是怎样产生和发展的，其规律是什么。
在这六大问题中，最重要的是审美现象学、审美类型学、审美文化学、形式美法则，作为教育体系中的美学原理，知道了这四大方面，就基本上把握住了美学。
二、艺术的类型：
艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。无论艺术的审美创造抑或审美接受，都需要通过主体一定的感官去感受和传达并引发相应的审美经验。
对艺术的审美分类，主要应根据主体的审美感受、知觉方式来进行。依据这个原则，艺术可以分为造型艺术、表演艺术、综合艺术和语言艺术四大类。
1、造型艺术
造型艺术（plastic arts） 艺术形态之一。指以一定物质材料（如绘画用颜料、墨、绢、布、纸、木板等，雕塑、工艺用木、石、泥、玻璃、金属等，建筑用多种建筑材料等）和手段创造的可视静态空间形象的来反应社会生活与表现艺术家思想情感。
它是一种再现空间艺术，也是一种静态视觉艺术。主要包括绘画、雕塑、摄影艺术、书法艺术等。18世纪的德国哲学家莱辛在《拉奥孔》中始用这一名词。
在德语中造型（bilden）原义谓“模写”（abbilden）或“制作似像”（eild machen）。在新中国建国后由苏联传入，并与“美术”互用。
2、表演艺术
表演艺术是由表演艺术家完成的直接诉诸人的视觉、听觉的艺术种类。泛指必须通过表演完成的艺术形式，如音乐演奏、演唱、舞蹈、曲艺等。专指演员在**、电视剧、戏剧中创造角色的表演。
表演艺术的美学特征主要是，通过演员的表演，把各类艺术的文学脚本所提供的间接形象转化为直观的形象，使人在欣赏演员绘形绘声绘色的表演中，如亲临其境、亲闻其声、亲见其形，产生情感交流，了解作品形象所反映的社会生活和思想内容，获得审美享受。
3、综合艺术
综合艺术又叫复合艺术。艺术分类用语。泛指几种艺术成分综合而成的艺术。如歌曲综合诗歌与音乐，建筑综合绘画与雕塑，戏剧综合文学、表演、音乐、美术、舞蹈等。通常专指戏剧、**、电视剧、舞蹈等形式。有机性是综合艺术最重要的特征。
4、语言艺术
语言艺术是艺术的一个门类，它是运用语言的手段创造审美的形象的一种艺术形式。它包括戏剧小品、播音主持、演讲、辩论等艺术形式。它的表达方法可以有呼吸法、语言速度、单人、多人、混声等多种形式。一般说来，语言艺术和文学、戏剧等有所不同。
百度百科——美学
百度百科——艺术
绘画属于空间艺术。
绘画属于空间艺术，空间艺术是以占有一定空间而存在的艺术形式。绘画、雕塑、书法、工艺美术、建筑、设计、篆刻等都是空间艺术。绘画艺术在二度平面上创造物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的思想感情。
绘画是“视觉空间的艺术”。空间艺术这一概念由德回美学家莱辛首先使用。占有空间是造型艺术的本质特征，因为所有的美术作品都必须存在于一定的空间中才能被感知，否则其将失去自身存在的依据。
绘画的艺术特征
绘画，相对来说是一种自我意识的表达，当然，也有对于客观世界的描摹。从某种意义上来说，绘画是一种能够引起他人共鸣的创作行为。简单来说，我们通常会看到很多绘画作品，其中有一些我们能够很好的去认识或者说是看得懂，通常说来这一类大多属于具象类的描绘。
不管是故事性或者非故事性，总的来说还是能够比较容易理解的。但有些我们通常又看不懂，而这一类可以归结为抽象类。
从千利休所在的时代起，茶道不仅主导了整个的茶文化历史，而且通过对日本精细文化结构的渗透，对日本人道德和审美敏感性和行为标准都产生了显著的影响，这种影响是延伸到其日常生活中的。
日本的茶室具有私人的性质，茶道结合了禅宗与哲学，形成一种独特的艺术形式。
千利休以后，茶室的面积大概只有八平方，这个空间的容纳不超过五个人。甚至有的茶室不到三平方，目的是为了创造一种密闭性，有助于注意力的集中，同时保持某种灵性。
建筑和茶具的设计有不对称性和不完美的流动性，插花，挂轴在光线的流转下呈现一种柔和的氛围。
传统的茶室入口低矮，客人需要曲身以跪的姿势爬入。
烹茶的仪式和步骤繁杂，大概需要几个小时。
这本书仔细讲了其空间美学与哲学的关系，宗教背景。
日本的美学里有对残缺的喜爱和对完美的拒绝，因为完美意味着停滞和无法生长，一旦完美，就不再是充满生机的过程的一部分。
所以，其建筑美学里欢迎不对称性。不对称性并不是一个静态事实，而是成长，变化，相互的依存的生命过程。它被认为是日本建筑中最突出的特点之一。
有人认为，日本美学是建立在动态美学的概念之上的，包括对万物转瞬即逝的认知。
这个哲学认知我想同样适用于人，有缺点的人更可爱，更像人一些，不知是否也在于其变化和生长的生机？
很喜欢的一本书，很认真的在讨论茶，茶道，茶室，建筑美学与哲学。
论“美学生活化，生活美学化”论文
无论是在学校还是在社会中，大家都写过论文吧，论文可以推广经验，交流认识。怎么写论文才能避免踩雷呢？以下是我为大家收集的论“美学生活化，生活美学化”论文，仅供参考，希望能够帮助到大家。
论文关键词： 生活化、渊源、流变、前景
论文摘要 随着大众媒介和化技术的不断推进，大约从20世纪开始，特别是20世纪80年代以后，一种新的美学现象应运而生，趣味日趋多元化，审美与生活的界限也越来越模糊不清。可以说，在整个世界范围内，出现了“美学生活化，生活美学化”的趋势。这一审美现象的渊源、流变以及发展前景如何，是美学必须要回答的问题。
一、美学与日常生活的渊源
美学是关于审美现象的综合性的人科。自美学思想产生至今两千余年来，美学与生活一直有着很深的渊源。学者们认为，文化的发展大致经历三个时期：口传文化时期、印刷文化时期和文化时期。在不同的文化时期，审美与生活由合一到分离，最后再次走向融合。
在口传文化与手写文化前期，审美与生活曾经是混沌一体、不分彼此的。那时审美是生活的一部分，譬如渔猎时代的弓箭既是工具也是心爱的审美品(如果当时有所谓的“审美”观念的话)。审美与生活的界限是模糊的，或者说当时审美还没有从生活中分娩，人的审美意识还萌动在生活实践的母胎中。
譬如中国古代的玉璧以及佩戴的各种美玉，既是当时的审美艺术品，同时也是祭祀用品和某种观念的象征物，具有原始宗教、、活动的实用意义。即使到了那个时代，审美仍然很难同生活分得那么清，诗、乐、舞，并不是后来人们观念中的纯粹艺术。甚至中古时期(如魏晋)的佛教和石窟壁画、雕像，很难说当初有多少人是带着审美意识把它们当作“艺术品”去塑造的。西方亦如是，古希腊戏剧当初也是酒神节祭祀仪式的一部分。
在手写文化后期，纸张出现了，审美意识逐渐“独立”了，此时审美与生活开始疏远。这对审美艺术的独立发展是一个重大促进，特别是印刷时代的到来，为审美的独立发展提供了可能。此时，它以“精英化”、“贵族化”甚至“神圣化”姿态与“生活”拉开距离，审美被供奉在高高的奥林匹亚山顶上。人们认为，正因为审美与生活不同，它才是审美艺术，而且，似乎离普通老百姓的生活越远，越是高高在上，就越是好的审美艺术。
与那时的状况和精神理念相应，审美活动被认为是高于生活的创造。审美艺术品被认为是出乎其类、拔乎其萃的产物，是超越凡俗的圣果。审美艺术活动因为是精英者的活动，是人上人的活动，是高雅人的高雅活动，审美艺术作品也就被看作与凡俗生活不同的高雅、特殊、精贵之物。这样就把审美艺术家与普通人隔离开来，给艺术家戴上天才桂冠。总之，这一时期把美学与生活区别开来，强调美学与生活的距离。
大约从19世纪末20世纪初开始，人们的审美活动逐渐发生变化。最初的苗头是从艺术对视觉艺术的张扬开始的。观众欣赏**的时候，就如同进入生活。**的出现，预示着美学生活化的开始。尤其是“电子文化时代”的.到来，进一步推动人们的美学观念走向“新生代”。在这场美学观念的时代变革中，审美似乎没有了边界，甚至那些低俗的、过去不可能与艺术沾边的“现成物品”，也成了审美艺术品。当加拿大多伦多市安大略省馆里收藏着一个普通的、谁家都有的盥洗池，作为一件艺术珍品供人欣赏时;当美国“捆绑粘结”艺术家H·哈蒙德把破布、丙烯酸树脂、石膏粉、木头、泡沫橡皮等杂七杂八的东西捆绑胶粘在一起，创造所谓“女权主义者的艺术”时，具有传统美学观念的人目瞪口呆。
但是，某些具有超前观念的理论家做出解释，说那些把种种“现成物”当作艺术品的人，实际上是在从事一种非常严肃的事业。他们实际上是在扩大或重新创造人们的审美观念，现成物品转换为艺术品的奥秘在于审美态度。在这些理论家那里，任何对象，无论它是人工制品还是自然物，只要对它取一种审美的态度，它就成为一个审美对象。然而，当什么东西都可以为艺术的时候，艺术也就不成其为艺术了，艺术消失于生活之中或者说与生活融为一体了。
德国著名家克劳斯·霍内夫在讨论当代艺术时指出：“在西方世界，不仅人们对当代艺术的一般态度发生了深刻变化，而且艺术本身同时也发生了戏剧性的变化……这一变化的一个重要特征就是，美学原则几乎完全被抛弃，结果是艺术家们不再感到与社会截然对立。”
在过去审美是一种经验，而现在所有的经验都要成为审美。过去只有少数“精英”才能做“艺术”、玩“艺术”，现在却都是艺术家，都可以玩“艺术”。在后现代社会，似乎成千上万的主体突然都说起话来，他们都要求平等，艺术成为了一个众人参与的过程。大地艺术、观念艺术、广告艺术、波普艺术、卡拉OK、各种群众艺术晚会……观众和演员常常合二而一。此时，创作与欣赏的界限消失了，作者与读者的界限消失了，审美与生活的界限消失了，审美活动与现实活动的距离消解了。于是，生活就是美学，美学就是生活，美学与生活再一次走向融合。
二、美学观念转变的原因和基础
美学发展演变的原因极其复杂，然而也有规律可寻。美学的发展不是孤立的，而是与社会生活诸多方面有着密切联系。因此，它的动因既有自身方面的，又有社会方面的。
首先，的影响。恩格斯曾说：“人们首先必须吃、喝、住、穿，然后才能从事政治、科学、艺术、宗教等等。”
这是从唯物主义的高度指出物质生活需要和精神生活需要(包括审美需要)的关系。在物质生活水平高度繁荣之前，自然不会意识到审美活动的重要性。但是，在物质生活水平高度繁荣之后，审美活动的重要性无疑被提上日程。过去是为了“身上衣衫口中食”，现在却是要美化自己、美化生活，通过“生活的美学化”来更大程度地解放自己。此时，都开始从美学角度发现自己、开垦自己。其结果导致生活成为一门艺术，或者说被提高为艺术。
其次，市场经济的确立，社会政治化进程加剧，对美学的平民化、民主化起了催化作用。在方面，本质主义的解体，现象的多样性被重视，多元思维的建立等，也对美学观念的转型产生影响。尤其是后现代哲学对主体的解构，更为美学观念中的民主化、平民化及美学与生活的贴近和同一提供了理论前提。此外，艺术的自我消解，自然美、社会美的相应崛起，也使传统美学以“艺术”来抵御生活这一带有明显局限性的美学观念遭到质疑。
不难想象，既然“艺术”本身已经自我消解，那么，精英审美对于通俗审美的排斥也就成为了不可能，审美与生活的同一也就顺理成章了。从社会角度看，生活美是始终存在的，只是在古典美学时期，物质生产与精神生产分工，造成了物质享受与精神享受的分离，美被从艺术的角度加以强化。进入当代社会，由于物质生产与精神生产日益融合，生活美由隐而显，也是必然的。从劳动过程看，在古典美学时期，人们往往更重视精神产品，轻视物质产品，劳动过程也被区别为“动脑”和“动手”两部分;而在当代社会，物质生产与精神生产逐渐合一，同样也导致了“动手”的魅力。
最后，技术的美被发现。从技术层面上看，转播、互联网等的出现，空间距离以及中心与边缘的区别几乎不复存在。伯恩海姆说：“最深刻的美学意义在于，它迫使我们怀疑古典的审美艺术观和现实观。”人们已经注意到，日常生活正日益显示出与艺术条件的同一性。在古典美学时代，由于以文字为基本媒介，作者与对象、读者与作品需要通过文字的转换联系，需要借助于思维、理解、想象而完成创作或接受，审美可以从日常生活中分离出来。
而在时代，由于电子媒介的作用，作者与对象、读者与作品之间的联系由间接性变为直接性。它们有时直接合二而一，混为一体。读者简直用不着思维、用不着理解、用不着想象，直接感受就是，直接看、直接听就是。由于电子媒介的存在，现实与非现实的界限越来越模糊不清。在上，现实与影像也处于新的关系中，你去裁缝店做衣服，可以先在屏幕上逼真地做出衣服的样子，顾客还可以参与设计，这种非现实的虚拟图像，可以丝毫不差地转换为现实。这样，古典那种从外面去认识或把握现实的状况被取消，艺术活动本身就是现实自身的活动。于是，艺术再也不像古典时代那样神圣、神秘和永恒，那样具有唯一性。制作、大量复制、随身听……把创作和欣赏带入了新的境界。这样，就把审美体验与生命体验联系起来，与生活的距离就此泯灭。
三美学生活化的发展前景
“美学生活化，生活美学化”，作为一个突出的带有世界性和时代性的现象，无疑体现出美学发展的一般规律和时代内涵。但由于日常生活中审美意识的多样性、复杂性很难对其做出准确的价值判断。下面从正负两方面价值取向谈一谈初步看法。
首先，从积极方面看，审美植根于日常生活，对张扬个性、解放思想、加强等人性的重构具有重要意义。它有利于人们追求个性解放，彰显自我，丰富和满足人们精神文化需求。“美学生活化”更新了原有的日常生活内容，彻底打破了中国传统生活方式的封闭性，激发了大众强烈的参与愿望和体验的热情，拓宽了人们的生存空间，丰富了人们的业余生活。它的与普及，引导人们树立起科学的生活观念和生活态度，促使其朝着健康、文明的方向发展。
另外，“美学的生活化”还吸引着越来越多的人投身于文化，极大地提高了文化生产能力、文化生产手段的效能和文化产品的数量和水平，从而使高雅审美大量进入寻常百姓家，有了越来越多的市场和受众。由于“美学生活化”演绎的世俗神话让大众含蓄地解放自己心中的无意识冲动，使人们在轻松幽默中发现小人物大世界，让普通人觉得自己的生活同样充满了惊喜和阳光，并且打破了精英审美对审美意识的垄断，消除了审美特权，促使主流审美、精英审美都在各自的现实实践中寻找并确定了自己的位置。
其次，从消极方面看，靠市场机制的运作来进行审美产品的生产、制作、流通和消费并实现生产者的商业利润，这种商品性特征改变了传统审美文化的传播方式，使审美活动披上了一层的外衣。传统美学的权威性、崇高性和严肃性逐渐被庸俗性、性和消费性所取代。其审美内容往往平面化、无深度。有的为了迎合大众趣味，把平庸化的东西奉为新潮，而深刻、崇高的东西反倒显得落伍，从而导致一种“媚俗”的倾向。
外来审美文化中还有不少、暴力以及俗不可耐的广告语等文化垃圾的存在，严重影响着人们的生活，特别是对于缺乏判断力的青年一代有着不可估量的影响。另外，像、之类通过画面来显示意义，观众完全处于被动地位，思考的可能性受限，使观众更容易受到表面逼真性的蒙蔽。现实的状况也让我们不能否认，由于过多地关注人生快乐与轻松，缺乏面向现代化、面向世界、面向未来的理想，使美成为点缀、成为装饰、成为广告、成为大众情人，美就这样被污染了，这是我们应该时刻警惕的。
总之，“美学生活化，生活美学化”这一审美文化现象，还处在动态的发展变化之中，其长处与短处并存。但可以肯定的是它的初衷和目的是积极的。美学的目的就是用真、善、美去娱人，至于它涉及现实功利关系，实在不是其本意。在审美艺术的仿真能力被现代技术超越的情况下，审美艺术的和认识功能只能是以前少数人所规范和垄断的传统审美艺术形式的消解。化使原来那种少数人垄断的知识霸权和资本利益服务的传统审美艺术形式转变为新的审美艺术。
在当今世界一体化的语境下，一个国家的审美意识的发展，必然会受到其它国家的影响。因此，我们要与时俱进，保持清醒的头脑，批判地吸收有利于本国美学发展的审美意识。同时，我们还应该融入到这个全球共同创造和享受的审美意识形态中，以为，着眼于融合与创造，将精英审美和大众审美结合起来，在两者共存的前提下共同发展，不断创新。
参考文献:
[1] 克劳斯·霍内夫:《当代艺术》,江苏出版社,1995年.
[2] 《马克思恩格斯选集》(第三卷),人民出版社,12年.
[3] 汤因比等,王治河译:《艺术的未来》,北京大学出版社,1991年.
;近两年，在古装剧中，宋朝剧后来者居上。先有《知否知否应是绿肥红瘦》、《鹤唳华亭》等多部宋朝为背景的剧播出，而目前正火的《大宋宫词》亦是如此。在“清宫剧”大潮退去之后，创作者们不约而同将眼光投向宋朝。
可见，宋代的底蕴也逐渐开始绽放它的魅力。焚香点茶、插花挂画、舞蹈刺绣，这些“宋朝之美”在不经意间便流露出来。
关于宋朝的繁荣兴盛，从闻名于世张择端的《清明上河图》就可以窥探一二，它以全景式构图展现了宋代都市各阶层人物的生活状况和社会风貌，栩栩如生，整个汴京城的繁荣景象跃然纸上。
史学大师陈寅恪先生曾说：“华夏民族之文化，历数千载之演进，造极于赵宋之世。”宋朝之简雅审美，在深厚物质财富和文化底蕴之上，成为千百年华夏文化的巅峰，也成为今人所追溯与向往的独特美学体验。 宋代美学强烈的人文精神，以及至简至雅的风貌，演变成一个独特的美学符号。
而今天，中盛·金尊御府在千年美学的传承上，以宋为名，共画时代风雅。将传统文化精髓以空间的形式，迭代全新的宋风产品来回应当代人居的精神需求，让我们第一次和900多年前的那个世界离得这么近。
纵观中国古代历史，真正能担得起风雅二字的，大概只有宋朝，这个隐逸雅致，以文艺著称的朝代，它所蕴含的“至简”与“至雅”，正好与现代高净值人群的居住需求如出一辙。
宋人吴自牧在其笔记《梦粱录》中写道“烧香点茶，挂画插花，四般闲事，不宜累家”，称为宋代“文人四艺”，亦称“四事”，即透过嗅觉、味觉、触觉与视觉品味日常生活，将日常生活提升至艺术境界，充实内在涵养与修为。
这与中盛·金尊御府追求的生活美学与讲究个人品味的生活态度极为一致，亦与当今的东方美学主流意识不谋而合。
抚琴听流水，闲坐观春秋，汲取宋风美学，与四雅文化融合，中盛·金尊御府以一场循序渐进的宋风之旅，展映当代德阳生活之美。
中式为魂，西技赋形。以东方府院规制，在城央之上匠造百亩大境，致敬千年美学典制。
约130㎡宋代生活美学样板间，用现代宋式设计风格，营造私密归家体验的同时，升级居住体验享受，为德阳当代精英雅士呈现包罗万象的宋代生活意境。
在空间打造上，营造出典雅且充满想象的空间意境。入室即见风格极简的挂画，静酿优雅的生活态度；金属与大理石的运用，删繁就简，碰撞出令人愉悦的色彩冲击，生活大场景与美学小细节穿插交织，让整个空间更富艺术感染力。
从客厅再到卧室，似乎每一个空间都显得“柔中带刚”，静谧之余又有灵动之妙。一半美学，一半生活，恰恰适宜的融合，刚刚好的“宋式美学”。 在户型规划上，阔境四室，满足全家人的生活场景。多维功能空间，焚香、点茶、挂画、插花，四大风雅奢趣，随心布置；大尺度餐客厅设计，畅连阳台，居家待客风雅两相宜。
观景阳台，阔绰视野，尽目驰骋，俯仰天地；套房式主卧，独立衣帽间，奢雅人生；南向静谧卧室，通透光，漫享休憩。
中盛·金尊御府在传世之心打磨下，于德阳中央商务区土地之上，让每一种对生活美学的憧憬都成为可能。
6月5日（周六） 约130㎡宋代生活美学样板间
即将优雅亮相，恭迎品鉴
所谓环境艺术并非自然环境，是指经过艺术加工的环境。就环境而言，可分为自然环境、园林环境、建筑环境等。建筑环境又可分为室内环境和室外环境。
自然环境艺术包括山水、植被、经过艺术加工的地形地貌，人工配置的物体等。这种环境经过人们的构思，处理，达到一种艺术效果，具有一种特殊的意境。
园林环境艺术包括山水、树木、绿地、泉石及人工配置的物体、雕塑、装饰画等。这种环境给人以幽静、舒适及优雅之感，并具有一种耐人寻味的情趣和气氛。
建筑环境艺术包括街景、建筑群、建筑外观、为建筑而选择的周围环境，水池、喷泉、树木、雕塑、壁画等整体规划。室内环境艺术则包括室内建筑结构、壁画、雕塑、家具陈设以及室内小景（喷泉、瀑布、山石、花草、树木）等。
环境艺术
研究环境艺术，首先必须对环境的基本概念有所了解。人类不以脱离环境而生存，他们时刻都生活在环境一自然环境和社会环境之中，并且不断地受到周围环境的影响。人类自诞生那时起，就开始为生存而斗争，为免受雨水、炎热、寒冷的侵袭和发生不测之祸而奋斗。他们不仅要适应环境，而且还要利用和改造环境，即从周围环境获取生活资料和生产资料的同时，并在生活实践中不断改造环境。一般来说，自然环境是指环绕在人类周围的各种自然因素，具体地说，大地，山脉、江河、湖海、森林以及沙漠都是自然环境。
人类的环境艺术史应从原始社会讲起，原始部落为了生存和信仰的需要，为了表达自己对神祗的崇拜和理想的追求，建造了一些至今还没有被我们完全理解的纪念物，为人类留下了光辉灿烂的艺术遗产。
人类对物体有一种共同的感受，在人类历史发展的过程中，人们积累了丰富的经验，把对物体的感受运用到建筑造型和环境艺术之中。在大自然的万物造型中，有许多使人有产生不同感情的对象，如方形物体令人感觉安稳平静，圆形物体使人感觉亲切热情，尖形物体令人感到动荡不安，等等。面对着辉煌完美的宇宙，原始人不知造物是谁，于是想象神的存在。认为自己生活在一个万物有灵和到处都是鬼魂的世界中，暴露在大自然的直接威胁之下，对大自然的感觉较之文明人更为强烈。有时由于某种原因大自然过分完美，而使人感到恐惧，认为是恶魔所为，为了镇魔压邪，人们祈求借助神力，便庙宇神域，祭祀神灵。例如，英国中石器时代遗留下来的巨石柱就是一种对神的崇拜之物，也可以说是最原始的一种建筑形式和环境艺术。它是专门为奉祀的宗教崇拜场所。在一片平坦的原野里，耸立着用整块巨石筑成的环形栅栏状（见图）。
在人类发展中，各个时代都留下了许多建筑环境艺术的代表作。如古埃及的金字塔、古希腊的雅典卫城，均是一个完整的古代建筑和雕塑的结合典范，这些丰碑典范为以后现代环境艺术打下了基础，现代环境艺术必须服务于人类，组成人类生活环境的要素。同时还应把人们引入一个活跃的社会，并以其美学上的影响力创造人们的深刻的感情。更重要的是，要赋予生活感情上的联系、舒适和遮蔽。
所谓环境艺术并非自然环境，是指经过艺术加工的环境。就环境而言，可分为自然环境、园林环境、建筑环境等。建筑环境又可分为室内环境和室外环境。
自然环境艺术包括山水、植被、经过艺术加工的地形地貌，人工配置的物体等。这种环境经过人们的构思，处理，达到一种艺术效果，具有一种特殊的意境。
园林环境艺术包括山水、树木、绿地、泉石及人工配置的物体、雕塑、装饰画等。这种环境给人以幽静、舒适及优雅之感，并具有一种耐人寻味的情趣和气氛。
建筑环境艺术包括街景、建筑群、建筑外观、为建筑而选择的周围环境，水池、喷泉、树木、雕塑、壁画等整体规划。室内环境艺术则包括室内建筑结构、壁画、雕塑、家具陈设以及室内小景（喷泉、瀑布、山石、花草、树木）等。
现代建筑与环境艺术要摒弃传统上的束缚，吸收新思想，发展适应于当代人美感要求的形式。必须指出，建筑与环境艺术的真正结合，只有在建筑本身即是一件艺术品时才能实现。建筑必须在它的形状、尺寸、各个部分之间的关系，技巧处理以及材料的运用上充分表现人类内在感情时，才能够成为艺术品，也就是说，只有建筑师和艺术家有共同的思想感情，才能在建筑物内外墙壁，庭院及周围环境装饰方面，取得和谐、统一而完整的效果。
环境艺术与建筑的关系涉及到城市规划、建筑学和美学诸多学科的谐调统一。城市的外观是建筑与环境艺术结合的重要因素。由于城市产生千变万化的空间轮廓，而建筑周围的环境艺术，其中包括雕塑、壁画、喷泉等，应当与建筑具有一种和谐、统一而完美的关系。它们要互相陪衬、互相依存。
建筑环境艺术可让人通过时间的延续活动去完整地体验文化特性，欣赏它的美感。被称为城市空间的街区、广场、庭院，只要视线有所遮挡，就会产生建筑内部空间的特征。因此建筑内外的环境艺术具有同样的特点。除了雕塑等艺术之外，水景、花草、树木也是建筑环境艺术的组成部分。由此可见，建筑环境艺术包括其周围一切因素，从建筑设计一开始，就要考虑到这些因素，才能构成完整的建筑环境。
另外，有时利用音效和灯光相配合，造成一种独特的环境。与室内架上艺术相对而言，环境艺术旨在打破传统的框架，利用场景、建筑、钢架和特别巨大的人造物品，创造一种奇特的环境，人们不再是观看一件件作品，而是身临其境，被作品包括在里面，形成一种新的人与艺术的关系，改变了旧的观念。
60年代后期，由于建筑师、雕塑家逐渐认识到表达他们宏伟创作思想、大尺度雕塑作品可以给新城市建筑设计提供一种适宜的环境装饰，因此雕塑家和大型艺术家才有机会给新城市的广场、公园、街心公园、林荫路创作大型环境艺术作品。
环境艺术不只作为视觉艺术而存在，而且要在触觉、听觉，甚至嗅觉方面感染观者，把观者所处的整个空间环境作为艺术作品，它消灭了观者与作品的距离，从而突破了传统的审美范畴，打破了艺术与生活的界限。（张荣生、张世椿）
